Klassikaline muusika: kõik, mida pead teadma

Klassikaline muusika on üks parimaid asju, mis inimkonnaga kunagi juhtunud on. Kui teile seda õigesti tutvustatakse, saab sellest teie eluaegne sõber.



Klassikaline muusika – lühitutvustus



Ilmselt aegade algusest on muusika olnud ravim inimhingele. Aja jooksul on muusikas toimunud palju evolutsiooni, mis on sünnitanud erinevaid muusikaharusid kogu maailmas. Hoolikalt muusikat uurides saab lugematul hulgal teavet tänapäeva ühiskonna, inimeste harjumuste ja kultuuri kohta. Seetõttu on muusika mitte ainult meelelahutusvahendina olnud inimese peegel, inimkonna uurimise verstapost.



Üks jumaldatumaid ja eelistatumaid muusikaharusid on klassikaline muusika. Lääne traditsioonid ja kultuurid on sellises kunstimuusikas sügavalt juurdunud. Klassikaline muusika võib olla nii ilmalik kui ka religioosne. Selle klassikalise muusika ajavahemik jääb vahemikku 6 th sajandil pKr kuni tänapäevani, keskendudes täpselt aastatel 1750–1820, mida nimetatakse 'tavapraktika perioodiks'.

Klassikalise muusika arengufaasid

SEE OLI Ajaraam
baroki ajastu 1600-1750
Galantne muusika ajastu 1720-1770
Klassikaline ajastu 1750-1820
romantiline ajastu 1800-1920

Mis on klassikaline muusika?



Väljend 'klassikaline muusika' hakkas populaarseks saama 19 th sajandil. Ehkki sellel ajavahemikul on ta peamiselt tuntud Beethoveni teoste poolest, on ta tehniliselt barokkkunstnik, kuid laiemas spektris on kaasatud ka selliste oluliste heliloojate nagu Mozart, Hayden, Copland, Debussy, Bach, Brahms, Berlioz või Wagner panused.

Klassikalise muusikažanri pärimuskultuuri edu sõltub paljudest teguritest, nagu kaasahaaravate partituuride koostamine, asjatundlike orkestrite kaasahaaravad esitused sooloesinejatele kammeransamblitele.

Klassikalise muusika olemuse asjatundlik sisekaemus paljastab harmoonia, kontrapunkti, rütmi, muusikalise arengu, tekstuuri, fraseerimise, vormi ja orkestratsiooni keeruka kasutamise, mis kõik töötavad sünkroonis teatud surematute kompositsioonide loomiseks. Sellega seoses tuleb mainida üht selle muusikaližanri esiletõstvamat tegurit.



Populaarset lauluvormistiili pole siin kunagi peetud; see sai populaarseks meloodiliste instrumentaalvormide kaudu, sealhulgas sonaat, sümfoonia, kontsert. Lavastatud dramaatilised etendused, nagu ooper, hõlmasid nii kooridega töötava orkestri kui ka vokaalsolistide toetust.

Sõltuvalt muusika meeleolude iseloomust jaotati mõned pikemad teosed segmentideks, mida nimetati 'liikumisteks'. Klassikalise perioodi sümfooniad jagunesid tavaliselt neljaks osaks – algus Allegro, millele järgnes aeglane osa; skertso või menuett, mis liigub viimase Allegro poole.

Sõna 'klassikaline muusika' tähistab üldiselt rikastatud kultuuri ja muusikaližanri traditsioonilise pärandi jätkumist, mis on loodud lavaesinemiste jaoks. Teine oluline omadus seisneb vormis. Nendel muusikateostel on suures osas struktureeritud vorm.



Muusikalisest vaatenurgast võib öelda, et levimuusika žanril on selgem väljendus, mis on võrreldav mõne pikema klassikalise kompositsiooniga. Kuid üks peamisi erinevusi kahe žanri vahel on loogilise seose olemasolu klassikalise kompositsiooni alguse ja selle lõpu vahel. Algust tähistab arendav aspekt, samas kui lõpus on loogiline laiendus.

Levimuusika žanri iseloomustab aga sellise arendava aspekti puudumine. Muusika ammendub publiku huviga; ei toimu materjali asjatut venitamist.

Sotsiaalse jagamatu teguri tõttu on klassikaline muusika alati jäänud muusikalise eliitklassi intellektuaalide külge, mitte üldise tunnustuse või mõistmise elemendiks. . Kuid digitaalne areng on tugevdanud inimkonna ajaloos loodud parimate muusikateoste uurimist ja taastamist.

CD-de ja DVD-de tulek on mõjutanud publiku üldist harjumust tohutul määral. Praegusel digiajastul pole klassikaliste kompositsioonide hindamiseks praktiliselt vaja ühtegi ooperimaja külastada. Kuigi klassikalise muusika kogemine dramaatilises otsesaates on nii hirmutav, kui see ka ei kõla, pole see õnneks ainus viis selle ilu hinnata. Seda saab nautida kodus mugavalt.

Muusikariistade valik

Muusikariistade ümberkujundamine tähistas klassikalise muusikažanri järkjärgulise arengu käigus olulisi pöördepunkte erinevatel tasanditel. Keerulised polüfoonilised viisid muudeti lihtsamini meeldejäävateks meloodiateks. Kogu mäng sõltus kompositsioonist ja pillide valikust. See oli katsefaas, kus häälestati igale usutavale seadmele ja prooviti parimat alternatiivi.

Enne klaveri tulekut oli klavessiin populaarne. See klavessiinitoon tähistab barokiajastu klassika olulist tunnusjoont . Kuid pärast klaveri pildile tulekut pidi klavessiin lahkuma. Klaveriviis tundus palju kainem, peenem kui nõme klavessiiniviis.

Järgmine oluline areng oli orkestri populariseerimine ja tugevdamine. Barokiajastul mängiti vaid mitut tüüpi keelpillidel väikeste variatsioonidega klavessiini, sarvede, flöödi, oboe, klarnetiga. Kuid aja jooksul muutusid kõik need puupuhkpillid ümber ja hakkasid tootma mitmekülgsemaid meloodilisi lugusid nii palju, et nad said oma iseseisvad mängukäigud tavalises orkestriesituses.

Kuid muusikariistad on kompositsiooni toetavad tegurid. Tegelik muusikapala on võtmetegur. Klassikaajastul arenes ja laienes see žanr sümfooniate, sooloinstrumentaalpalade ja muusikalise draama, ooperi rikastatud kompositsiooniga.

Selle ajastu lootustandvamate heliloojate hulka kuuluvad Haydn, Beethoven, Mozart, Paganini, Rossini. Kuid Beethoveni panus oli selles kontekstis suurim. Ta lõi silla klassikalise ja romantismiajastu vahel. Üks tähelepanuväärsemaid tegureid Beethoveni loomingu juures oli see, et see järk-järgult laienes suures osas sügava emotsionaalse või poliitilise puudutusega.

Oluliselt väiksemad kompositsioonid tegid Haydn, Beethoven ja muidugi Mozart. Need olid peaaegu eranditult klaverisonaadid. Järkjärguliste katsetuste ja häälestustega langes klassikaline ajastu romantismi ajastu, muusikalised viisid olid liiga romantilised.

Mõni sõna Ameerika klassikalise muusika kohta

Ameerika muusika sai alguse orjastatud aafriklastest, kes 1619. aastal Ameerika pinnale maabusid, tuues endaga kaasa oma traditsioonid. Kuid nelja sajandi pärast võib täheldada, et alla 2% Ameerika orkestrite kogumuusikutest on mustanahalised. Kogu Ameerika klassikalise muusika tööstus on liiga valge.

Üks peamisi põhjusi Ameerika muusikatööstuse mustade mahajäämuse taga on see, et valged 19. th pahandas ettevaatlikult mustanahaliste mõju ja õitsengut muusikas. Sellest suundumusest on väga vähe erandeid, nagu George Gershwin, kes võttis vabatahtlikult omaks afroameerika muusikakultuuri. 1930. aastatel saavutas must muusika vaid lühikese aja jooksul edu varjundi.

Aafrika muusika on Ameerika muusikaühiskonnas suuresti alahinnatud. Mõned märkimisväärsed mustanahalised kompositsioonid on William Dawsoni “Neegri rahvasümfoonia” Antonin Dvoraki “Neegri meloodiad” väärivad tähelepanu kui tähelepanuta jäetud Ameerika muusikaaarded. Florence Prince, Nathaniel Dett ja William Grant Still on tõestanud end oma ajastu suurte mustanahaliste heliloojatena.

Kuid kahjuks ei leidnud nende teosed kunagi pikaajalist harjumist ja tunnustust ning mattusid peagi ajalukku kui kadunud aardelaudad.

Üks tähelepanuväärsemaid musti oopereid oli “Porgy ja Bess”. Kuigi teos on vigane, ei saa eitada, et teose tahtlikult liigutav aspekt koosneb täiuslikust empaatiast, põnevusest ja katarsist.

Sulgemine

Klassikažanri tegelik olemus seisneb selles, et see ületab kõik aja-, koha-, kultuuri- ja põlvkondadevahelised barjäärid. Heliloojate ülim kannatlikkus on loonud teatud meistriteoseid, mis sisaldavad tohutut struktuuri terviklikkust, säilitades täiusliku tasakaalu ainulaadse Pi/Phi suhte vahel. Üheski neist edukatest kompositsioonidest pole kunagi esinenud liialdust ega raiskamist.

Bass, sopran, tenor, alt – kõik segmendid suutsid olla orkestri esituses sõltumatud, kuid siiski üksteisega täiuslikult sünkroonis. Selline pühendumus on sillutanud teed klassikalise muusika edule.